日前在上海大剧院首演的歌剧《梦华录》，仿佛一道跨越宋代与当下的时空缝隙，一股带着水袖与弦乐的古韵迎面而来——这一刻，观众仿佛随剧中人一同置身于宋代市井，看他们在市集、茶肆与闺阁之间起落浮沉，也见证了当代中国歌剧试图转身，面向了“亲民”。
宋韵浮现：从市井烟火到人间温度
与许多西方经典歌剧的宏大布景不同，《梦华录》选择了“留白写繁华”的独到设计思路。舞台上，仅以几块可移动的布景、半透明纱幕和灯光投影，便勾勒出宋代街巷、闺阁、河畔等不同空间的光与影。茶楼人声鼎沸时，看似热闹非凡，却保留着大量留白，给观众足够想象余地；主人公独唱时，背景只剩一束光和细微的投影，反而更凸显角色内在的挣扎与情感张力。这样的写意处理，恰如宋画留白的意味：不刻意营造“恢宏”场面，却让情绪、人物心境在有限笔墨中自然丰盈。比如当顾千帆与父亲决裂时，城郭白描图腾然浮现，冷峻的视觉意象象征父子之间难以逾越的身份与观念阻隔，无需多言，已让观众感到沉重的隔阂扑面而来。
剧中，赵盼儿、宋引章、孙三娘这三位身份、性格各异的宋代女子，并非“悲苦被动”的形象，而是在时代重压与人情冷暖下，彼此支撑、逐渐成长。导演在人物的琐碎日常与命运节点上，慢慢揭示她们心底的坚韧。宋代市井的烟火气，也因此更显生动：它既能困住人，也能孕育温暖与守护。
在交响与国风之间：当歌剧与时代对话
近些年来，中国歌剧创作的探索意识愈发鲜明：从《沂蒙山》的红色叙事，到跨文化题材的《马可·波罗》《拉贝日记》《张骞》，无不折射出中国歌剧想摆脱“西洋高雅艺术”刻板印象的努力。《梦华录》恰好走了一条“国风”与“当代”融合的路径，把宋韵意境带到交响织体中，让观众在美声唱段与民族音调的交汇中，听见一种既古典又现代、既诗意又亲切的“新古典”声音。全剧最具辨识度的，是音乐层面的中西交融与自然融合。作曲与编配大胆引入琵琶、古筝、笛箫等民族乐器，它们与西洋弦乐、铜管声部并置共鸣，不是简单拼贴，而是通过音色铺陈与节奏对位，在音响上织就一种沉静而流动、古韵与现代交错的听觉质感。
导演没有让歌剧变成遥不可及的“殿堂艺术”，而是通过念白与咏叹的自然衔接，让节奏贴近普通观众的听觉习惯，营造出一种“轻声入耳、情感自来”的亲切感。正是这种“去神圣化”的表达姿态，让《梦华录》走近了更多初次走进剧院的年轻人，也拓宽了中国歌剧的社会影响力。
歌剧《梦华录》真正动人的地方，也许不在于去复刻一个朝代的风貌，而是在以歌剧之形，承载当代之情：借一段古代故事，以今日之声重述，唤醒我们对于文化身份的认同，以及对现实情境的沉静凝望。
《梦华录》为当代原创歌剧如何从传统出发、走向大众提供了新的可能。回望舞台上那一幕幕在光影中升腾的宋韵意象，那或许不只是一段古风回响，更是一束正向未来延伸的声音。它不会随着剧终而散去，而会在人们心中悄然落地，在不经意处生出关于“民族艺术”的另一种想象与期盼。
